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Louvre Immersive Experience

La Victoire de Samothrace (-190)

Très tôt en Grèce, la représentation de la victoire a été personnifiée sous les traits d'une déesse ailée, descendant sur terre pour faire honneur au vainqueur. Fidèle à cet esprit, le monument érigé dans le sanctuaire des Grands Dieux de Samothrace représente une Victoire se posant sur l'avant d'un navire de guerre, pour commémorer sans doute une victoire navale. Par la virtuosité de sa sculpture et par l'ingéniosité de sa construction ce monument est un chef-d'oeuvre de la sculpture grecque d'époque hellénistique.

La Vénus de Milo (-100)

Depuis sa découverte sur l’île de Mélos en 1820, cette effigie divine fascine par sa grâce et par le mystère qui entoure son interprétation. Faut-il y reconnaître Aphrodite, souvent figurée à demi nue, ou Amphitrite, déesse de la mer vénérée à Milo ? L’œuvre reflète les recherches des sculpteurs à la fin de l’époque hellénistique : elle innove par sa composition hélicoïdale, par l’insertion de la figure dans l’espace et le glissement du drapé sur les hanches.

Hercule (-300)

Cette statuette est une des nombreuses répliques d'une oeuvre en bronze, réalisée par Lysippe à la fin du IVe siècle avant J.-C. Elle traduit le souci du bronzier d'introduire le corps humain dans l'espace tridimensionnel, jouant de la position des bras et des jambes pour multiplier les angles de vue.

Spartacus

Spartacus est ce gladiateur rebelle qui leva une armée d'esclaves contre Rome, multipliant les victoires avant d'être battu par Crassus en 71 avant J.-C. Il est représenté alors qu'il vient de briser ses chaînes. L'air furieux et les bras croisés, il médite sa vengeance. Par une habile récupération politique, la sculpture devint le symbole des journées révolutionnaires de juillet 1830.

La Loire et le Loiret (1707)

Groupe destiné à la pièce d'eau des Nappes du parc de Marly avec La Seine et la Marne de Nicolas Coustou et des groupes représentant d'autres rivières par les sculpteurs Anselme Flamen et Simon Hurtrelle. Après la confection du modèle en plâtre en 1699, l'exécution en marbre se poursuivit de 1703 à 1707, date apposée sur le marbre. Le groupe a été porté près du bassin occidental du jardin des Tuileries dès 1719.

L’Empereur Marc-Aurèle (161)

Ce très beau portrait fut exécuté en Grèce d'après un archétype créé par les ateliers impériaux romains en 161 après J.-C., date de l'avènement de Marc-Aurèle. Bien que cette effigie soit fidèle à l'iconographie officielle, la tradition grecque qui imprègne son exécution et rapproche l'empereur des philosophes du IVe siècle avant J.-C., différencie ce portrait de ceux réalisés à Rome.

La Joconde

Le portrait fut probablement commencé à Florence vers 1503. Il s'agirait du portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo, marchand d'étoffes florentin, dont le nom féminisé lui valut le « surnom » de Gioconda, francisé en « Joconde ». La Joconde ne fut sans doute pas livrée à son commanditaire car il semble que Léonard de Vinci ait continué à y travailler longtemps jusqu’à l’emporter avec lui en France. À sa mort, elle serait entrée dans la collection de François Ier.

Les Noces de Cana de Paolo CALIARI (1563)

Appelé à Venise en 1553, Véronèse ne cessera d'exercer son talent de décorateur, apte à brosser d'immenses toiles où s'allient l'autorité scénographique, la somptuosité des costumes modernes et l'éclatante luminosité du coloris. Les Noces de Cana ornaient le réfectoire construit par Palladio pour les Bénédictins de l'île de San Giorgio Maggiore. L'épisode sacré est transposé, avec une liberté iconographique souveraine, dans le cadre fastueux d'une noce vénitienne.

Le Couronnement de la Vierge de Jacopo ROBUSTI (1580)

Première esquisse de Tintoret, cette toile est peinte à l'occasion du concours organisé en 1582 et 1588 pour la décoration de la salle du Grand Conseil au palais des Doges à Venise. Pour représenter le paradis, le peintre montre, sur plusieurs registres superposés se déployant en hémicycle dans les nuages, le Christ couronnant la Vierge, entouré, dans l'ordre hiérarchique, des douze apôtres, des anges, des patriarches, des prophètes, des quatre Évangélistes, de saint Jean-Baptiste, d'Adam et Ève, des Pères de l'Église, des héros chrétiens, des papes et des évêques.

La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne de Léonard de Vinci (1503)

L’œuvre réunit dans un paysage sainte Anne, la Vierge Marie et l’Enfant Jésus, soit trois générations, dont deux issues de conception divine. Elle fut sans doute conçue comme un ex-voto rendant grâce à sainte Anne pour la naissance de la fille de Louis XII, mais Léonard travailla trop longtemps à sa réalisation pour la livrer. La composition est exemplaire des recherches de Léonard sur l’agencement des figures et fut une grande source d’inspiration pour les artistes de la génération suivante.

Portrait d’un vieillard et d’un jeune garçon de Domenico GHIRLANDAIO (1490)

Cet émouvant portrait d'un jeune garçon et d'un praticien florentin âgé, défiguré par une acné, a peut-être été réalisé après la disparition de ce dernier : on conserve en effet un admirable dessin de Ghirlandaio représentant son visage, de face, les yeux fermés, peut-être sur un lit de mort. Il n'est pas exclu que l'image ait aussi un sens allégorique, opposant deux âges de la vie, la jeunesse et la vieillesse.

Les Pèlerins d’Emmaüs de Paolo CALIARI (1559)

Cette œuvre de jeunesse, première représentation d'un repas biblique peinte par Véronèse, est construite comme une scène de théâtre incluant des portraits contemporains. Une famille patricienne de Venise assiste au souper d'Emmaüs, au cours duquel deux disciples reconnaissent le Christ ressuscité à la fraction du pain. En mêlant intimement le divin et le terrestre, Véronèse met l'accent sur l'humanité du Christ.

Deux chiens de chasses liés à une souche de Jacopo dal PONTE (1548)

Réalisé en 1548 pour le comte Zantani, patricien de Venise, ce tableau est le premier portrait animalier de la peinture occidentale. Dans un cadrage serré typiquement maniériste, tout en courbes et en contrecourbes, l'artiste montre en pleine nature ses propres chiens, qu'il représente souvent dans ses œuvres sacrées du milieu du siècle.

Apollon et Daphné de Giovanni Battista TIEPOLO (1743)

Tiepolo a traité cet épisode dramatique des Métamorphoses d'Ovide (I, 452-567) en montrant l'instant simultané de la fin de la course d'Apollon et de la transformation de Daphné : elle esquisse un mouvement pour se retourner, mais les lauriers apparaissant au bout de ses doigts ne laissent aucun doute sur l'issue de sa fuite.

Charles Joseph Crowle de Pompeo BATONI (1761)

C'est à Rome que Crowle, un homme de loi britannique, fit exécuter son portrait. Divers éléments font allusion à ses intérêts érudits et à son séjour dans la Ville éternelle : les instruments d'écriture, la sphère armillaire, les reproductions de l'Hercule Farnèse et de l'Ariane du Vatican, le plan de la basilique et de la place Saint-Pierre.

Héliodore chassé du Temple de Francesco SOLIMENA (1725)

Cette œuvre est une esquisse pour la fresque ornant le revers de la façade de l'église du Gesù Nuovo de Naples. Le sujet biblique est tiré du Second Livre des Maccabées (3, 24-27) : cherchant à s'emparer du trésor conservé dans le temple de Jérusalem sur les ordres du roi de Syrie Séleucos IV, Héliodore en fut chassé par des anges à cheval.

L’Adoration des bergers de Jusepe de RIBERA (1650)

Les bergers viennent adorer avec une ferveur intense l'enfant Jésus couché dans la crèche. Ribera rencontra un grand succès à l'époque en traitant ce sujet avec originalité. Dans cette toile peinte à Naples deux ans avant sa mort, Ribera réussit à associer naturalisme et classicisme. Il décrit avec précision la peau de mouton du berger et, parallèlement, donne monumentalité et clarté à la composition.

L’Adoration des bergers de Domenico FETTI (1615)

La main gauche posée sur l'épaule de l'enfant en signe de protection, le bon ange, assis sur des nuages, lui montre le chemin du ciel ; derrière lui apparaît un démon entouré de serpents, qui s'éloigne avec colère et semble prêt à se précipiter dans un gouffre enflammé.
Autour de l’ange, la lumière devient divine et laisse la figure du mal dans l’ombre. L’ange permet le dialogue entre le ciel et la terre et vient secourir les humains.

L'Homme au gant de Tiziano VECELLIO (1520)

Titien est l'inventeur d'un type de portrait dont la force psychologique réside dans l'attention portée à l'expression. Le contraste entre le fond et le vêtement sombres, et les carnations claires, mises en valeur par la chemise blanche, permet au peintre de concentrer l'intérêt sur ce qui exprime la personnalité du modèle : le visage et les mains de ce jeune homme à l'élégance discrète, qui laissent deviner une sensibilité complexe, à la fois énergique et mélancolique.

La Déposition de Jacopo dal PONTE (1580)

Le Christ repose au pied de la croix entre Nicodème, Joseph d'Arimathie, sainte Marie Madeleine, la Vierge, une sainte femme et saint Jean. Après 1575, Jacopo peint des scènes nocturnes utilisant une seule flamme centrale faisant surgir les formes de la nuit. À partir de 1580, la peinture nocturne devient pour Bassano le moyen privilégié de mettre en scène la passion du Christ.